Distorsión deliberada de una realidad, que manipula creencias y
emociones con el fin de influir en la opinión pública y en actitudes
sociales.(RAE)
Desde mañana al 30 de noviembre no se hablará de otra
cosa que de posverdad y de lo que hay (y podemos hacer) tras la
posverdad. Y es que el 2º Congreso #InterfacePolitics que organiza el Centro de Diseño BAU y GREDITS con la colaboración de MACBA (Museu d'Art Contemporani de Barcelona), Hangar.org
y Artnodes, reunirá a 36 investigadores/as internacionales para hablar
sobre la creatividad crítica en la era de las multi-verdades.
Las jornadas, abordarán la postverdad desde diferentes perspectivas: arte, humanidades,
diseño, tecnología, AI (Inteligencia Artificial), pedagogía,
o activismo, será la protagonista de la segunda edición de este
congreso científico dirigido por el Jorge Luis Marzo, Bani Brusadin y
Rebecca Mutell.
Serán
3 días de conferencias y mesas redondas (repartidas entre BAU, MACBA y
Hangar) y entre los que participarán figuras tan destacadas como Teresa
Dillon, Gabriele Cosentino, Joana Moll, Víctor Sampedro, Søren Pold,
Christian Andersen, Doro Wiese, Alexandra Juhasz o Jan Distelmeyer,
además de 3 keynotes de excepción cuyas conferencias son de libre
acceso: Judith Revel, Marco Deseriis y Metahaven.
El viernes participaremos con la ponencia Tácticas activistas digitales: algunas líneas de trabajo en defensa de la verdad.
Detalle de Exhausting a Crowd, de Kyle McDonald (Fuente: P. Waelder)
"Tots els canvis s'han desat"(All Changes Saved), es una exposició colectivaque puede visitarse hasta principios de enero en el Casal Solleric de Mallorca.
Tal como nos comenta su comisario, Pau Waelder, "el proyecto surge tras observar el uso que se hace de nuestros datos y ser cada vez más consciente de nuestra pérdida de control sobre la información que generamos y cómo afecta al menoscabo de nuestra propia intimidad" La notificación de Google Drive le sirvió para dar forma al proyecto seleccionando trabajos de artistas que trabajan alrededor se estos conceptos.
Punttualiza, además sobre un aspecto muy interesante de la sentenciae, ya qu se presenta como una acción acabada: "“todos los cambios SE HAN guardado”, no “se guardarán” o “se están guardando”... la acción se ha completado sin preguntarnos nada y ahora parece que ya no podemos hacer nada al respecto"" Esa misma mecánica de generación de datos e se produce a través de cualquiera de los dispositivos digitales que estamos utilizando habitualmente. El problema es que hemos dejado de cuestrionarnos cual es la trascendencia de esa aparentemente inocua acción.
Las obras de Aram Bartholl, Clara Boj y Diego Díaz, Martin John Callanan, Olia
Lialina, Kyle McDonald, Román Torre i Ángeles Angulo, y Carlos Zanni dan lugar a reflexiones sobre el estado de la cuestión, sobre si debiéramos cambiar
nuestra actitud, o por el contrario, si es necesario generar nuevas estrategias ante ese control de datos y reclamar el espacio de privacidad que
nos ha sido arrebatado.
Mañana sábado 10 y el 1 de diciembre a las 11hs. el comisario realizará una visita guiada a la muestra en la que analizará el concepto de la exposición
y las obras expuestas.
Bajo el título “El comisariado como reflexión sobre la sociedad
digital”, el sábado 17 a las 19h tendrá lugar una mesa redonda que reúne a
Dorothee Richter, directora del programa de posgrado de comisariado en
la Escuela de Arte y Diseño de Zurich (HGKZ); Sabine Himmelsbach,
directora del Haus der elektronischen Künste en Basilea; y Pau Waelder,
comisario independiente especializado en arte y nuevos medios, quienes
aportarán sus visiones acerca de cómo las exposiciones de arte
contemporáneo, y en particular las de arte de nuevos medios, se
constituyen como una reflexión sobre la sociedad actual. El encuentro se
propone cuestionar de qué manera es responsabilidad de los comisarios
tratar acerca de temas actuales a través de su selección de obras de
arte y cómo dichos temas marcan tendencias que pueden trazarse en los
más destacados proyectos curatoriales de las últimas décadas. La mesa
redonda se retransmitirá en Facebook Live.
bodies_ perceptions_design es el título de esta jornada que
organizan BAU y la institución Milà i Fontanals/CSIC el próximo 15 de noviembre y
que se desarrollará, como su nombre indica, alrededor de conceptos como
el cuerpo, las percepciones y el diseño.
Una jornada científica
que tiene el objetivo de establecer ensamblajes entre las diversas
miradas que se lanzan sobre el cuerpo humano y los cuerpos no-humanos, y
averiguar así los efectos, afectos y los diferentes ámbitos que
envuelven estos cuerpos desde las creencias, el orden somático, el
posthumanismo, los nuevos géneros, el transhumanismo, el control
tecnocorporal, la política, la hegemonía, la ética, el arte y una serie
de conocimientos que se vinculan con el diseño y donde este presenta una
opción transformadora para la sociedad.
La jornada de la tarde se centrará en una charla taller de María Castellanos Vicente, artista multidisciplinar que presentará sus proyectos sobre cuerpo posthumano. Desde Uncovering Ctrl nos acercaremos a conceptos relacionados con sistemas de control visual y/o biométrico, y a sus respuestas por parte de diversos colectivos creativos.
Detalle de uno de los proyectos cartográficos de Ingrid Burrington (fuente: The Influencers)
Hoy comienza en el CCCB The Influencers,el 14º Festival sobre arte no convencional, guerrilla de la comunicación y entretenimiento radical, proyecto dirigido por Influ BaniEva MattesFranco Mattes.
En un momento en el que la comunicación a través de internet a dejado de ser la utipía de los creadores de los años 90, The influencers nos invita a revisar y analizar cómo nos hemos convertido en "seres para la extracción de datos", y cuáles son las consecuencias de este complejo proceso. Para ello, ha invitado a expertos sobre el tema, en una edición en la que las mujeres toman el mando.
Desde esta tarde al domingo se podrá asistir a ponencias, talleres o proyecciones sobre los efectos sociales, políticos y económicosde la cara menos amable de Interent y de las redes sociales. Crítica y creatividad se fusionarán en buena parte de ellas.
Esta misma tarde asistiremos a la presentación del proyecto Geocinema,de Asia Bazdyrieva, Alexey Orlov, Solveig Suess "un proyecto que considera las redes sensoriales a escala planetaria —teléfonos móviles, cámaras de vigilancia, satélites o geosensores— como un aparato cinematográfico ámpliamente distribuido, una única cámara". Por su partela artista, tecnóloga y activista An Xiao Mina, autora de Memes to movements, expondrá el impacto de la censura en un entorno tan politizado como es el chino.
El inicio promete, así que si puedes ¡acércate! [que además ES GRATIS]
LA ZONA es una instalación artística inmersiva de Román Torre y Pablo DeSoto que permite visualizar y entender algunos elementos que caracterizan la Zona de Exclusión de Fukushima en Japón. Puede visitarse hasta finales de octubre en LABoral Centro de Arte y Creación Industrial.
La Zona de Exclusión comprende 800 kilómetros cuadrados alrededor de la central nuclear de Fukushima Daiichi en marzo de 2011. Tras el accidente provocado por un tsunami unas 160.000 personas fueron forzadas a abandonar sus espacios cotidianos a toda velocidad, tras la explosión de cuatro reactores que esparciendo sus partículas radioactivas invisibles.
Si una reciente serie de televisión de mismo nombre presentaba una ficción bien documentada en la que un accidente en un reactor devastaba una amplia región de Asturias, LA ZONA contribuye a que los visitantes entiendan las graves consecuencias del accidente radiológico.
Entrevistamos a sus creadores, Román Torre y Pablo DeSoto para que nos expliquen algunos detalles sobre su obra.
¿Qué experiencia tenéis respecto a piezas similares?
R.: Por mi parte bastante en la forma pero poco en el contenido. El desarrollo ha sido limitado por la duración de la residencia, pero hemos conseguido una primera versión de un sistema de visualización que podría ampliarse y desarrollarse mucho más y que permite al visitante hacerse una idea en una escala abarcable de la situación y las diferentes ramas escogidas para reflejarlas.
P.: Pues mucha a nivel de contenido y poca en cuanto a la forma. A nivel de contenido, el proyecto puede ser entendido en la categoría de cartografía radical, es decir, proyectos de mapas experimentales diseñados por artistas y/o activistas. Este es un campo en el que llevo trabajando desde hace años. En cuanto a la forma, es la primera vez que trabajo con un mapa proyectado en el suelo de 75m2, que es caminable e interactivo a partir de este caminar. Ha sido un desafío formidable contar historias en este formato.
¿En qué proyectos os habéis inspirado para crear la pieza?
R.: Hay una parte del trabajo que mezcla la abstracción visual de la escala respecto al visitante con la divulgación directa de contenidos relativos a la catástrofe. Para mi era importante que hubiera una cierta gamificación del espacio que permitiera al espectador “integrarse” en la idea.
P.: Hemos dado un vistazo a algunos proyectos que hacen video mapping sobre maquetas, y a otros proyectos de arte e investigación como Forensic Architecture, pero la principal inspiración del proyecto es Safecast y los proyectos de medición de la radiactividad por la ciudadanía surgidos en Japón a raíz del desastre nuclear. Este proyecto de ciencia ciudadana publica datos de radiación actualizados y que hemos utilizada en los mapas de la Zona.
Detalle del centro de documentación de la pieza.
¿Cómo ha cambiado vuestra visión sobre el estado real de lo que sucede en Fukushima?
R.: En realidad yo estaba menos familiarizado con todos los pequeños detalles de un paisaje como el de Fukushima. Desconocía tanto detalles cartográficos como la situación de diferentes centrales cercanas y todo lo que rodea a la radiación en un entorno nuclear. Desde una perspectiva social y cultural, el hecho de trabajar remezclando materiales documentales de la zona, hace que entres mucho más a fondo en la situación. También que la somatices de alguna manera y seas consciente de la situación a una escala trasladable a tu realidad más cercana.
P,: Una de las ideas del proyecto es que funcione como un dispositivo para comprender mejor sobre lo que sucede en Fukushima a partir de un formato novedoso de instalación utilizando recursos documentales e invitando al público a entrar en una especie de thriller geográfico interactivo. La Zona incluye además un espacio de documentación con libros y artículos académicos y estará abierta al público hasta finales de octubre.
LA ZONA es el proyecto ganador de la VI Beca DKV Seguros-Álvarez Margaride, convocada conjuntamente por LABoral y la compañía de seguros.
“Lo espectral es, de algún modo, la intrusión o la interrupción del presente por medio de algo que está fuera del tiempo y por los fantasmas de lo que ha quedado borrado por la modernidad, de las víctimas que no serán olvidadas, de la emancipación por cumplir.”
24/7 Jonathan Crary
En un momento en el que aparecen tantas noticias sobre diferentes sistemas de reconocimiento(facial o de imágenes), nos pareció relevante destacar la propuestaShow me a ghost(2017) del creador Mario Santamaría. En ella se vislumbra cómo aplicaciones, redes sociales y plataformas incorporan algoritmos de reconocimiento de imágenes capaces de identificar objetos y “aprender” con el tiempo. Una maquinaria silenciosa de categorización que arrastra sesgos y convenciones normativas.
Show me a ghost está compuesta por una serie fotográfica resultante de la búsqueda a través de descripciones generadas por sistemas de visión computacional. La mayoría de estas técnicas de reconocimiento de imágenes funcionan con una estructura muy similar, formadas por categorías en forma de árbol, las referencias son los proyectos desarrollados desde las universidades de Stanford y Princeton: la jerarquía “WordNet” y el banco de imágenes “ImageNet”.
La serie muestra cómo un sistema de visión computacional interpreta la representación de un fantasma, un elemento que no aparece en las categorías de “ImageNet” y que resulta , hasta el momento, indetectable a ojos del algoritmo.
Santamaría nos explica cómo se detectó "que la categoria “fantasma” no parece en los sistemas de visión computacional que se usan actualmente". Ese detalle le llevó a centrarse en el concepto "ausencia para para reflexionar sobre la condición de la imagen digital. Parte de lo que sucede lo hace de forma invisible, desde su caja negra, en paisajes máquina-máquina, desvinculandose de la tradición de las artes visuales. Me interesa la idea de lo fantasmal en relación al control, la digitalización y la transparencia. Lo fantasmal desde la imágen fija conecta con diferentes tradiciones de la fotografía, desde la llamada fotografía espiritualista de caracter ficcional de finales del siglo XIX a las taxonomías de Bertillon y la antropometría".
La hiperproducción de imágenes e información parece reducir el mundo a una copia de si mismo, asemejando el mapa al territorio, erradicando sombras y misterios en una interface sin contradicciones.
El año pasado veíamos el vídeo de presentación de Amazon Rekognition, un sistema de reconocimiento facial que se promocionaba con argumentos como:
"...facilita la incorporación del análisis de imágenes y videos a sus aplicaciones. Usted tan solo debe suministrar una imagen o video a la API de Rekognition y el servicio identificará objetos, personas, texto, escenas y actividades, además de detectar contenido inapropiado. (...) también ofrece reconocimiento y análisis facial con un alto nivel de precisión. Puede detectar, analizar y comparar rostros para una amplia variedad de casos de uso de verificación de usuarios, catalogación, contabilización de personas y seguridad pública."
Con argumentos como estos y otros como su aprendizaje contínuo y su bajo coste, hoy está en el punto de mira de todos, porque ha sido vendido a la policíapara ser usada como herramienta complementaria a los sistemas de videovigilancia. Varias han sido las organizaciones que han denunciado su uso: Pacific Standard, hace hincapié en la posibilidad deque llegue a convertirse en una herramienta de eminente carácter racista
Hoy el diario.es publica que la Unión Estadounidense por las Libertades Civiles (ACLU) ha dado a conocer varios documentos en los que se detalla la venta de Amazon Rekognitiona las fuerzas de seguridad. Desde Uncovering Ctrl, lo que nos sorprende es que nadie se hubiera planteado el uso que se podría hacer de semejante aplicación. Un proyecto de semejantes características se desarrolla para ser vendido a grandes corporaciones. O acaso ¿esperábamos que se comprara para uso privado?
La agencia Ogilvy a creado una peculiar campaña para Schweepes Brasil Lo venden como un experimento, pero realmente ¿lo es? ¿hacía falta que una empresa verificara la cantidad de veces que una mujer es manoseada en una discoteca? En Uncovering Ctrl creemos que NO.
El vestido es original para el gran público pero realmente no aporta nada que no sepamos,(recordemos sino los datos existentes al respecto). Tal vez utilizar la tecnología en publicidad con objetivos educativos para erradicar esa lacra sea una opción más ética para cualquier marca.
A partir del día 25 de mayo cambia la legislación europea sobre protección de Datos (GDPR o General Data Protection Regulation). Por eso estamos siendo avasallados por nuestras webs, apps y redes sociales "de confianza". Es una buena ocasión para leer las condiciones y darnos cuenta de que lo gratuito sale caro a nuestra privacidad y que tanto que nos quejamos sobre los casos de Faceebook o de Google, pero al final los responsables de que nuestros datos sean tan valiosos somos nosotros. Todos nosotros.
[Condiciones Instagram y Facebook. Extracto] Tu
experiencia en Instagram no va a cambiar y seguirás siendo el propietario de
tus fotos y vídeos, pero vamos a ofrecerte mejores formas de acceder a tus
datos y entender cómo se usan.Instagram forma parte de Facebook desde 2012, y
estamos realizando algunos cambios corporativos. Si aceptas nuestras nuevas
Condiciones y sigues usando Instagram,
Facebook Ireland será la entidad corporativa oficial responsable de tus
datos. La aplicación de Instagram y la forma en que procesamos los datos no se
verán afectadas.En nuestra nueva Política de datos, se explica cómo se
recopilan, comparten y usan los datos en los productos de Facebook, incluido
Instagram. Esta Política contempla la nueva legislación sobre datos de la UE,
así como funciones que no estaban disponibles la última vez que la
actualizamos, como las historias, el envío de mensajes en privado, el estado de
la actividad y las herramientas creativas de nuestras cámaras. Queremos asegurarnos
de que estés al tanto de esta nueva información incluida en la Política.
Recibimos
distintos tipos de información de tu dispositivo (como
la forma en que tocas la pantalla y te desplazas por ella), que pueden
ayudar a diferenciar a un humano de un bot y a detectar posibles fraudes.
Usamos y
compartimos información con fines de investigación, sobre
todo de forma que nos sirva para proteger a la comunidad en Instagram; por
ejemplo, para entender y evitar el bullying y el acoso.
En esta Política se incluye más información sobre los datos que
recopilamos a partir de tu actividad y nuestros socios, así como la forma
en que vinculamos la información entre las distintas empresas de Facebook
y personalizamos tu experiencia, incluidos los anuncios.
Proporcionamos
anuncios sin revelar tu identidad a los anunciantes. En esta Política se
incluye más información sobre los datos que compartimos con anunciantes y
socios. Nunca vendemos tus datos.
Como esta
Política también se aplica
a Facebook, se incluye información sobre el reconocimiento facial,
aunque en Instagram no usamos este tipo de tecnología. Si empezamos a
utilizarla, te avisaremos y te daremos la opción de elegir si quieres aceptar
su uso.
Hemos vendido nuestra privacidad, pero no le damos la importancia que realmente tiene. Lee, investiga un poco y pide a tus representantes que te protejan ante el abuso de las grandes compañías. Es el momento ideal para sacar a airear la conciencia crítica...
La primera muestra individual que se celebra en nuestro país de Natalie Bokchin en La Virreina, Centre de la Imatge (Barcelona), permite contemplar siete piezas que plasman algunas de las máximas de su autora: la renovación del lenguaje documental a través de la grabación propia y/o de encontrada a través de internet. Todo el material resultante se hilvana con guiones que ponen en evidencia la falta de conexión entre las reflexiones que se reflejan, las actitudes privadas y la repercusión pública que esperamos que tengan.
Retratos de multitud perturba al espectador. Las obras expuestas reflejan viviencias y poses habituales de muchos de los usuarios de las redes sociales. Sus protagonistas son estadounidenses, pero sus actitudes y sus poses pueden extrapolarse a cualquier escenario del mundo occidental. Si quererlo cualquier visitante puede sentirse reflejado por las opiniones que se transmiten, pero también puede sentirse vulnerable respecto a la tecnología que utiliza para expresar ciertos sentimientos de caracter privado.
Las imágenes grabadas y/o seleccionadas para cada una de las siete obras audiovisuales (producidas todas ellas entre 2008 y 2017) juegan con nuestra empatía: todos los protagonistas podríamos ser nosotros o cualquiera de nuestro entorno. Todos tenemos algo que decir, pero ¿nuestros móviles o nuestras cámaras
web son el espacio idóneo para dar a conocer nuestras reflexiones?
Bookchin no ha perdido un ápice del sentido crítico que nos mostró en sus obras de net.art de los 90. Algunos de sus collages audiovisuales nos hacen pensar en el auge de las denuncias a través de hastags y nuestra aparente facilidad para denunciar secretos permaneciendo ocultos detrás de nuestras cuentas.
Hasta el 27 de mayo se puede visitar esta muestra en la que queda latente lo paradójico que resulta lo cotidiano cuando se diluye entre las vivencias de cientos, miles de personas con preocupaciones similares. Sus protagonistas se refugian detrás de sus cámaras para denunciar situaciones que posíblemente estuvieran mejor canalizadas si nos hubieran educado para poder enfrentarnos verbalmente a ciertas situaciones de crisis de cara, sin mediaciones tecnológicas. Es una cuestión complicada, pero tal vez sea el momento de aprender a hacerlo.
La muestra "Camaleó" indaga sobre temas identitarios y políticos presentes en nuestro entorno. Las crisis de identidad, la "guerra de las banderas" o los debates sobre el papel de la UE en un mundo globalizado y convulso, y otros temas transversales, son los que la pareja artísitca Varvara & Mar ofrecen en el Museu Abelló de Mollet.
Mediante la interacción y la observación , se ofrece una visión abierta y polisémica sobre la identidad, la historia o los símpbolos que las sustentatn. Si en One flag Every Day, cada día se "diseña" e incorpora una compuesta por elementos y colores de los paises más presentes en las noticias, en la instalación Camaleó, una gran bandera blanca que se ilumina con leds, la arbitrariedad de las enseñas expuestas invita a la tolerancia y a la relativización de la importancia de ciertos emblemas.
La instalación interactiva Democracy consigue atrapar al espectador y transportarlo desde el papel protagonista a identificarse con cualquiera de los 20 gatos dorados con una porra en la mano que se mueven al grito de la palabra "democracia". Cada uno a su ritmo, pero todos con un balanceo idéntico.
En Who is the Next? se ofrece en un panel similar a los de los aeropuesrtos las siglas de estados que podrían ser candidatos a salir de la UE tal como lo han decidido los británicos. Aunque recuerda a las máquinas tragaperras, cada vez que se epara en una posición es inevitable que surgan preguntas sobre ¿y si fuera cierto?.
New media art concebido por una pareja que proviene de dos puntos lejanos de Europa. Se nota y se agradecen las propuestas desarrolladas en las que se nota el debate, los contrastes y la visión compleja y transmedia de nuestro papel como ciudadanos. Esperamos que tenga un largo recorrido.
Quedan pocos días para poder visitar en el Museo Salvador Vilaseca de Reus la exposición “Aproximaciones creativas a la Colección BEEP de Arte Electrónico”, primera presentación de la colección privada de Arte Electrónico y Digital más importante de Europa. Nos ponemos en contacto con sus comisarios, Roberta Bosco y Estefano Caldana, para conocer más detalles sobre sus inicios, desarrollo y peculiaridades.
La Colección BEEP de Arte Electrónico es la primera colección del Estado especializada en el arte vinculado al arte con la ciencia y la tecnología. Actualmente, se muestra en el Museu Salvador VIlaseca. Es la más importante a nivel europeo y se caracteriza por haber sabido reflejar un momento histórico en el que ciencia y arte han dado lugar a líneas de investigación tan diversas como las que pueden ofrecer creadores de prestigio como Anthony McCall, Daniel Canogar o Analivia Cordeiro.
Preguntamos a sus comisarios sobre la trayectoria de esta peculiar colección privada, en llas últimas semanas de su exposición pública de casi todas las obras que la componen y que representan una iniciativa peculiar y arriesgada en nuestro país.
¿Cómo y cuándo se inicia una colección pionera en nuestro país?
El
germen de la Colección BEEP de Arte Electrónico hay que buscarlo en las
pioneras experiencias expositivas BlackBox y ExpandedBox, promovidas
por Vicente Matallana (LaAgencia) en el marco de la feria ARCOmadrid.
Posteriormente, en 2006 con el apoyo del mecenazgo artístico del Grupo
TICNOVA (Reus) del empresario catalán Andreu Rodríguez, se celebra en la
feria ARCOmadrid la primera edición del Premio ARCO-BEEP de Arte
Electrónico, un galardón que tras 13 años de existencia, busca ser
testigo y agente de la transgresión surgida de la intersección entre el
Arte, la Ciencia y la Tecnología.
El Premio ARCO - BEEP de Arte
Electrónico es un premio adquisición abierto a todas las galerías
presentes en la feria madrileña, que ha generado una de las colecciones
de Arte Electrónico más importantes a nivel europeo. Más de 40 obras
resumen de forma rica y diversa las tendencias de los medios
tecnológicos en el campo de las prácticas artísticas contemporáneas.
Actualmente es un referente internacional en el medio, ha participado
como colección invitada en la edición 2017 de la Biennial of the Moving
Image (Frankfurt).
El pasado jueves asistimos a la inauguración de la exposición. "El futuro cotidiano". Es interesante indagar en los conceptos que están detras de algunas de las diez piezas que la conforman. Todas ellas examinan y exploran la conexión entre posibles escenarios de futuro y las relaciones humano-tecnológicas.
Algunas como Mobile Field, de Edu Comelles inquietan a pesar de su belleza; Murs Electronics de Felix Vinyals asusta por lo directo que es al mostrar su mensaje; Tanto las propuesta e Col-lec, The human feelings bank, ofrece la posibilidad de otrogar sentimientos a robots y la de Becoming Conversational Implant, cuestiona hasta dónde puede llegar la inteligencia artificial a través de un chatbot conectado a una planta. Roman Torre (Rotor Studio) muestra un contador de "clickbaits" (Ciberanzuelos) en la red quete deja algo pasmado al comprobar in siu todo lo que es "piblicitario" en las páginas que consultas estando a su lado a través de tu móvil: diarios, redes sociales, ..., ¡nada escapa a esta estrategia!
Tenéis hasta el 4 de marzo para ir a visitarla. ¡Que no se os pase!
Ayer las redes volvían a "ofrecer publicidad gratuita" de otro de los robots de Boston Dynamics. Es aterrador, porque si lo que muestra el vídeo de promoción es un "perro que abre puertas y escapa", la realidad es que ese robot será utilizado en continedas. Es más barato que entrenar a un ser humano, se transporta fácilmente, es dócil, no come y aguanta en todo tipo de escenarios.
Investiguemos antes de promocionar algunas "noticias". En el caso que nos ocupa no hacemos más que promocionar un arma de guerra. ¿Parece mentira, no?
No podemos perder el (poco) sentido crítico (que nos queda).
El IVAM presenta hasta el 8 de abril la muestra ‘Please come back, ¿el mundo como prisión?’, coproducida por el Institut Valencià d’Art Modern y el MAXXI-Museo Nazionale delle Arti del XXI Secolo de Roma. Su objetivo supone continuar con el debate sobre el incremento del control social y la vigilancia. Y es, ante todo, una buena reflexión sobre el estado de nuestras libertades, muy cuestionado por el avance de las tecnologías, que nos convierten a todos en entes observadores y, sobre todo, observados.
La
exposición, comisariada por Hou Hanru y Luigia Lonardelli, reúne 53
obras de 26 artistas que reflexionan sobre la prisión como una metáfora
del mundo contemporáneo y el mundo contemporáneo como una metáfora de la
prisión. En un presente en el que impera la cultura del miedo y en el
que se impulsan iniciativas biopolíticas desde el Estado y las grandes
compañías transnacionales la muestra se plantea, entre otras cuestiones,
en qué han quedado los derechos y libertades por los que tanto luchó la
ciudadanía o cómo es posible mantener un papel de verdadera resistencia
frente a ese control.
Hou Hanru remarcaba en su inauguración una
paradoja presente en la vida actual: “Cuanta más tecnología tenemos,
menos libertad”. El proyecto de investigación, en el que también ha
participado la filósofa Luigia Lonardelli, muestra la relación que
siempre ha existido entre la expresión artística y el control social,
entre las prácticas artísticas y la prisión. Sobre todo teniendo en
cuenta que casi siempre se ha equiparado con un determinado tipo de
recintos arquitectónicos y unas determinadas estrategias desarrolladas
para manipular y transformar a los ciudadanos en seres disciplinados y
dóciles. Sin embargo, aquellas prisiones panópticas y vetustas han
encontrado un aliado interesante en sus maneras de hacer en las nuevas
tecnologías. Ya no hacen falta grandes muros, basta con estar conectados
para poder ser vigilados. La cultura de la seguridad (o del miedo)
están asociados al control de la visión, tal como apuntaba Harun
Farocki, uno de los autores presentes en la muestra. Han sido numerosos
los artistas que han criticado y documentado sus vivencias y opiniones
sobre los espacios de control, sobre todo, tras la publicación de Vigilar y Castigar
de Michel Foucault (1975), en el que se analizaba la relación de poder
sobre los convictos y los cambios producidos tras la expansión del
modelo panóptico de prisión ideado por el filósofo utilitarista
británico Jeremy Bentham. Muchos han colaborado para desarrollar
movimientos de resistencia, pero lo cierto es que la fragilidad de
nuestra libertad nunca había sido tan cuestionada.
Torre central de la Modelo (Autor: Josep Maria de Llobet)
El pasado 7 de junio cerró definitivamente sus puertas la Cárcel Modelo de Barcelona, la más antigua de España. De julio a noviembre miles de personas visitaron la exposición “La Modelo nos habla. 113 año. 13 historias” en la cárcel más antigua de Cataluña. Aunque se podían visitar pocas estancias, bastaba observar un poco pequeños detalles para imaginarse las duras condiciones tanto para los internos como para los trabajadores: un edificio que en su momento fue un símbolo de modernidad, se había quedado totalmente obsoleto.
El edificio, diseñado por Salvador Vinyals Sabaté i Josep Domènech Estapà, fue construido siguiendo los principios de Jeremy Bentham (1748-1832), filósofo y reformista social, conocido por ser uno de los defensores del utilitarismo jurídico británico, cuyas ideas iniciaron la reforma del sistema carcelario de su país.
En las penitenciarías panóptica, tal como proponía Bentham, todo interno perdía el poder de hacer el mal o la capacidad de intentarlo. El penado podía ser observado permanentemente desde la torre por uno o dos vigilantes, único elemento arquitectónico omnipresente visualizado a contraluz desde su celda de internamiento, ya que se le impedía contemplar todo lo que ocurría a su alrededor mediante un complejo sistema de tabicado de celdas. El edificio de la calle Entença cumplía buena parte de aquellos postulados.
Durante estos días se puede contemplar en los muros circundantes la propuesta del fotógrafo Josep Maria de Llobet"Expuestos, El valor de la intimidad". Ahí se exponen una selección de imágenes del interior del recinto vacío de modo que cualquiera pueda ver qué se esconde tras la imponente valla. Las imágenes, tal como presenta su autor "ya no son solamente documento y memoria, sino que se transforman en un verdadero vehículo de comunicación entre la ciudadanía y este lugar mítico y maldito, siempre oculto, fuera de nuestros mapas cotidianos".
Preguntamos a De llobet sobre qué aspectos le llamaron más la atención al realizar cada toma. Uno, muy curioso e imposible de captar con la cámara era el peculiar olor "a cerrado, a humedad, salado y penetrante.". Por otro lado, quedó impactado por la percepción de "la ausencia de soledad. El espacio arquitectónico está vacío pero lleno de recuerdos, de historias, de tiempo condensado en cada pared, en cada rincón. Y esa soledad aparente también es engañosa. Podría hacernos pensar que la vida del preso es solitaria y creo que nada más lejos de la realidad. El preso nunca está solo. Todo se comparte, y eso lo explico en el texto que acompaña el proyecto en mi web."
